Bauerngarten (Bauerngarten) 1905 Gustav Klimt Poster

Der Bauerngarten (Bauerngarten) 1905 Gustav Klimt , 1905 gustav klimt , öl auf Leinwand , Jugendstil , Blume , farbenfrohe Bilder "Nichts zu langweilen nach einer kurzen Zeit"; Gustav Klimts Lebensauffassungen - wie die meisten seiner Gemälde - waren immer voller Spannung, Farbe und Bewegung. Wie in dem Ölgemälde Bauerngarten, das er 1907 mit einer Reihe weiterer bekannter Garten- und Landschaftsmalereien machte, ist die Spannung und Bewegung ein wichtiger Bestandteil seiner Kunst. Er fand Inspiration in den Jahren des Dekadentismus von 1890 bis 1917 auf einer Reise mit seiner Familie und Freunden, bei der er den rustikalen und natürlichen Garten des Mayr entdeckte Der österreichische Künstler befand sich in seiner kreativen Hochphase und entdeckte damals neue Techniken, Motive und Kompositionen für sich selbst. Das Gemälde Bauerngarten mit seiner einzigartigen Farbkomposition und Form ist eines der bekanntesten und beliebtesten Gemälde des Künstlers und wurde 2017 als drittteuersten Gemälde in der europäischen Kunstgeschichte versteigert. Durch ergänzende Farben - wie Klimt oft seine Werke gab - besticht dieses Bild im rot-grünen Schema auch durch eine farbenfrohe, freie und dennoch harmonische Komposition, die durch die dreieckige Anordnung der Blumenarrangements auf der grünen Wiese noch verstärkt wird. Die ungewöhnliche Dreieck-Komposition ist in einigen Arbeiten von Klimt zu dieser Zeit zu sehen. Es vermittelt ein Gefühl der Kompaktheit, Einheitlichkeit und Ordnung, das durch die zufällige natürliche Anordnung der Blume in dieser geometrischen Form ein besonderes Naturverständnis widerspiegelt. Auf der einen Seite scheint die Natur unschmückt, wild und frei, auf der anderen Seite scheint es so fehlerlos, dass es ihr möglich ist, fehlerlos und "perfekt" zu schaffen. Der grüne Hintergrund zeigt auch die Natürlichkeit und Lebensfreude der Landschaft und des Naturkönigtums durch die verschiedenen Grüntöne und die ungeplante Anordnung. Unterschiedliche, warme und tiefglänzende Farbtöne der Rot- und Gelbfarbenfamilie werden durch einzelne Mohnfelder, Gänseblüten und Rose in verschiedenen Farbtönen nach oben heller, bis sich einige strahlende, weiße Blüten wie eine Krone über der anderen ausbreiten. Das blaue Feld vergessener Blüten im Herzen des Gemäldes ist eine Pause und gleichzeitig ein Blickfang, dessen leuchtende Farbe durch den starken Kontrast einen Stützpunkt und Ausgangspunkt bildet. Durch impressionistische bildungspolitische Techniken, die in erster Linie auf die Bedeutung des Motivs hinter der Oberfläche abzielen, zeigt Klimt die Schönheit und Vitalität der Pflanze, die zwar sorgfältig arrangiert, aber dennoch willkürlich und mächtig sind. Nach Klimts Verständnis ist die Natur wie der Mensch ihr eigener Power, der allen Einschränkungen und Leben entgeht und unabhängig von allen äußeren Einflüssen gedeiht. Es ist nicht als Reaktion auf die Sicht des Menschen oder des Menschen auf die Natur zu sehen, sondern als alleiniger Träger von Leben und Vitalität. Der Künstler wählte auch das Quadratformat aus, um seinen Blick nur durch die Komposition im Bild auf bestimmte Teile zu lenken. Das quadratische Format sorgt für ein Gleichgewicht und lässt jede Ecke des Gemäldes synonym erscheinen. Es sieht aus wie ein Teil der Natur, dessen Eigenschaften und Motive unabhängig voneinander Homosexuelle sind.